Valentino @ Somerset House

This Sunday I had the pleasure to visit for second time stunning Somerset House, this time to see two amazing exhibitions: Valentino and Tim Walker.
I arrived just before 4 o'clock which meant that I luckily didn't have to queue up to go into the South Wing of the building to see the exhibition that celebrates 50 years of design by the "Master of Couture", Valentino. 
Este domingo tuve el placer de visitar el hermoso edificio de Somerset House por segunda vez, esta vez para ver dos exhibiciones increíbles: Valentino y Tim Walker.
Llegue justo antes de las 4 de la tarde, lo cual me permitió entrar sin tener que hacer colas en el ala sur del edificio para ver la exhibición que celebra 50 años de diseño del "Maestro de alta costura", Valentino.

Ever since its opening on 29th November, I hadn't stopped reading wonderful and flattering comments about this fashion retrospective all over the media. So, even though I always try to avoid reading any reviews on a movie, book or exhibition before even experiencing it myself, I couldn't help but to have extremely high expectations. 
Desde su inauguración el 29 de Noviembre, no para de leer maravillosas cosas acerca de esta retrospectiva de moda por todos lados: revistas, redes sociales y televisión. Así que, por mas que siempre trate de evitar leer criticas sobre películas, libros y exhibiciones antes de verlo con mis propios ojos, no pude evitar tener muy altas expectativas. 

I never was a person that spent too much time in museums, because, as much as I hate to admit it, I would simply get bored. But with time, I can say that I've matured and become to enjoy this sort of celebrations of art & culture. Therefore, I made sure that the £9 entry ticket (with concession, but £12.50 for the general public) was worth it; I made sure I took time to read and observe everything in extreme detail. 
When the clock strucked four, a heavy wave of enthusiastic people full of expectations filled every gap of the gallery. I felt like I was stuck in time while everything was going by extremely quickly in front of my eyes. But I didn't care. I wasn't there to have a quick look and go home. I wanted to understand the reason why Valentino was baptised the "Master of Couture". 
The first room was simple but imposing, the lighting was dim but it all contributed to draw you into the showcases with elements of the designer's past: from exquisite and detailed sketches to letters from acclaimed people showing their appreciation for him and intact invitations to past Valentino's fashion shows. 
Nunca fui una persona que pasó mucho tiempo en museos, por que por menos que me guste admitirlo, siempre me aburrían. Pero con tiempo, puedo decir que he ido madurando y ahora puedo disfrutarlos mas. Así que me aseguré que las £9 de entrada (con descuento de estudiante, sino cuesta £12.50) valiera la pena; me tomé mi tiempo para leer y observar todo con atención. 
Cuando el reloj marcó las 4, una fuerte ola de gente emocionada se escabulló y llenó la galería. Sentí como que todo estaba pasando muy rápido por delante de mis ojos, mientras yo estaba parada en el tiempo. Pero no me importó por que yo no estaba ahí para dar una vueltita e irme a mi casa. Quería entender porque Valentino fue bautizado el "Maestro de la alta costura".
El primer cuarto era simple pero imponente, la iluminación era baja pero todo contribuyo para atraer a la gente a las vitrinas con elementos del pasado del diseñador: desde exquisitos y detallados bocetos, hasta cartas escritas por gente reconocida aclamando al diseñador, e invitaciones intactas de desfiles de Valentino.  
  

Taken from "Love For Fashion" Blog

Going up the stairs, there was the main room, set up and acclimated as if it was a catwalk, were every person that walked over the grey carpet was the model of a luxurious and glamorous fashion show. After seeing the whole exhibition I gathered that this was meant to make the spectators "unique and confident" (Valentino) like the dresses he designed. 
Subiendo las escaleras se encontraba el cuarto principal, aclimatado para parecer una pasarela, sobre la cual cada persona que pasaba se podía sentir el modelo de un lujoso y glamoroso desfile de moda. Después de haber visto toda la exhibición me di cuenta que esto estaba hecho para hacer sentir a la gente "única y segura" (Valentino) como los vestidos que el diseñaba. 

Taken from "Love For Fashion" Blog

A selection of Valentino's most fabulous dresses could be found at each side of the 'catwalk', arranged by 'themes'. One of the critiques I have to make about this arrangement, is that in order to follow the numbers of the dresses (each mannequin was numbered and referenced in a booklet that each person received in the entrance), one had to constantly back and forth, making the 'tour' slightly confusing. However, having said that, one thing I thought was very clever was how the mannequins were colour coordinated according to the time each dress was made (e.g. Mint-1950s, Mustard-1960s, etc).

I can't stress enough how astounded I was to see the excess and luxury, and exquisite details each attire had using elements such as rhinestones, diamonds and pearls. What really caught my eye was the different techniques that the designer used in each piece, from tapetto di ruches, to drappegio and budellini to pieghe voltate. All very interesting, and most of them, things I'd never seen before. These techniques were all explained with text and videos in the next room downstairs. 

The exhibition concluded with "The Wedding Dress", worn by Marie-Chantal of Greece. A splendid white dress that summarised Valentino's 50 years of couture in one piece. 
Una selección de los vestidos mas fabulosos de Valentino se encontraban a cada lado de la 'pasarela', organizados tematicamente. Una de las criticas que tengo al respecto, es que para seguir la numeración de los vestidos (cada maniquí estaba numerado y referido en un librito que cada persona podia agarrar en la entrada), había que ir de aquí para allá constantemente haciendo que el recorrido fuera bastante confuso.
De todas formas, una cosa que me pareció muy interesante era como los maniquíes estaban pintados acorde a la época que cada vestido había sido hecho (ej. Menta-1950s, Mostaza-1960s, etc).
Quiero hacer hincapié en lo sorprendida que estaba al ver el exceso y lujo, y detalles exquisitos que llevaba cada atuendo, usando materiales como diamantes y perlas. Lo que mas me llamo la atención  fueron las innovadoras técnicas de costura usadas en cada vestido. Estas técnicas estaban todas explicadas en el cuarto de abajo, incluyendo una demostración por video. 
La exhibición concluyó con "El vestido de novia" de Marie-Chantal de Grecia. Un vestido esplendido que resumió los 50 años de Valentino en una sola pieza.

Taken from "Love For Fashion" Blog

If you ask for my opinion? I think it's an exhibition that is worth visiting if you're interested in fashion and couture (the exhibition is on until 3rd March). However, I wish I'd gone there with no expectations, because I didn't find it as amazing as everyone had depicted it. Having said that, I have to say, the curators did a very good job, and I finally understand why they call Valentino the Master of Couture.

For more information and images on Valentino, visit http://www.valentinogaravanimuseum.com
Si quiere saber mi opinión, creo que es una exhibición que vale la pena visitar si estas interesado en la moda (termina el 3 de marzo). De todas formas, desearía no haber tenido tantas expectativas, por que no me pareció tan increíblemente como la gente la había descripto. De todas formas, tengo que decir que los curadores hicieron un buen trabajo, y que finalmente entiendo por que le dicen "El Maestro de la Alta Costura" a Valentino.
Para más información e imágenes de Valentino, visiten http://www.valentinogaravanimuseum.com

Madame Grès retrospective @ MoMu, Antwerp

On Friday 14^th  September I visited the Madame Grès retrospective exhibition at the MoMu (Fashion Museum) in Antwerp. I walked into the concrete, minimalistic and modern building without having a clue what I was getting myself into. A couple of weeks before I’d gone on the museum’s website trying to see what exhibition’s were on, and after seeing the photo of the beautiful draped dress I decided to give it a go. Due to my lack of knowledge on the designers background or work, I decided to take extra time to read all the information displayed at the museum and on the brochure I got given at the entrance (where, thanks to my student ID, I only had to pay 1 euro!).

El viernes 14 de septiembre visite la exhibición de Madame Grès en el MoMu (museo de moda) en Antwerp. Entré  en el edificio moderno y minimalista sin tener idea con que me iba a encontrar. Unas semanas atrás, tratando de enterarme de que exhibiciones había actualmente en el museo, y luego de haber visto una foto de un hermoso vestido blanco drapeado decidí darme una vuelta. Ya que no sabía nada de la diseñadora, decidí prestar mas atención que nunca a los detalles de cada pieza del museo y del folleto que me dieron en la entrada (donde, gracias a mi carnet de estudiante, solo tuve que pagar 1 euro! ).

Germaine Krebs, also known as Alix Barton or Madame Grès, was an iconic fashion designer/couturier of the 20^th century, who considered herself “as much as sculptor as a fashion designer”, given the fact that she draped or pleated the fabric of her creations directly on the model. Her work presented at the MoMu, and originally displayed at the Musée Bourdelle in Paris, shows a wide range of stylistic periods that the couturier went through in her 50 years of fashion career. The exhibition explores the journey Grès went through, from draped evening dresses to modern, minimalist daytime garments and stylish and fashion-forward beachwear.

Although it was impossible to recreate the scenery of the Musée Bourdelle with its imposing statues and sculptures, the MoMu commissioned the Belgian sculptuor Renato Nicolodi and scenographer Bob Verhelst, to try to create a space and atmosphere that made a reference to the Paris museum and preserved and revealed the essence of a great past of Germaine Krebs, keeping it simple enough to draw all the attention directly to the spectacular, breathtaking apparel. These artists managed to do an excellent job in taking people back in time with their austere rows of columns and staircases against a backdrop of sand colour (Grès meaning sandstone) that could make anyone feel in the Greek or Roman ancient world.

Germaine Krebs,  también conocida como Alix Barton o Madame Grès, fue un icono en el mundo de la moda del siglo veinte, quien se consideró “tan escultora como diseñadora de moda”, teniendo en cuenta que drapeaba y modelaba la tela de sus creaciones directamente sobre la modelo. Su trabajo demostrado en el MoMu, y originalmente exhibido en el Musée Bourdelle de Paris, demuestra una gran variedad de periodos estilísticos por los que pasó la diseñadora en sus 50 años de carrera. La exposición explora el camino que transcurrió Grès, desde vestidos drapeados de noche, ropa minimalista de día y atuendos de playa vanguardistas.

Aunque fue imposible recrear la escenografía del Museo Bourdelle, con sus imponentes estatuas y esculturas, el MoMu comisionó al escultor belga Renato Nicolodi y escenógrafo Bob Verhelst, para tratas de crear un espacio y atmosfera que hicieran referencia al museo Parisino, preservando y revelando la esencia de un gran pasado de Germaine Krebs; asegurándose de mantener la escenografía lo mas simple posible para desviar toda la atención directamente a los espectaculares e impresionantes vestidos.  Estos artistas lograron hacer un muy buen trabajo al tratar de hacer viajar la gente en el tiempo con las columnas y escaleras austeras frente a un escenario color arena (Grès significa arenisca) que puede llevar cualquiera a un viaje imaginario a la antigua Roma o Grecia. 

The atmosphere of the exhibition was very seductive and captivating, created by not only the soft, sensual drapes and pleats of the dresses displayed in numerous mannequins, and the black and white photographs overflowing with feminity and glamour; but also the dim lighting aswell as the simple, yet organized layout (each different era/style was separated in different sections).

El ambiente de la exhibición era muy seductivo y cautivante, no solo creado por las suaves y sensuales líneas y pliegues de los vestidos presentados en maniquíes, y las fotos en blanco y negro que desbordaban feminidad y glamur; pero también la tenue iluminación junto al simple pero lógica organización (cada estilo o era diferente estaba separada en distintas secciones).

The first section was a brief introduction to the designer, with two pure white dresses with a beautiful drop, placed in glass boxes against a vast photo of where they used to be placed in the iconic Musée Bourdelle. It could be said these two designs were the epitome of Grés’ elegance, delicacy and taste.

La primer sección fue una breve introducción a la diseñadora, con dos blancos y puros vestidos con una hermosa y fluida caída, situados en cajas de vidrio, en frente a una foto enorme del Museo Bourdelle donde se encontraban los modelos previamente. Se puede decir que estos dos diseños fueron la epitome de la elegancia, delicadeza y buen gusto de Grès.

Right next to the “introduction” there was a collection of dresses that formed part of the designer’s beginnings in “Maison Alix”. The draped sculptural attires fitted on perfectly shaped mannequins stood over stools of different heights, and posed in front of what seemed like the Mount Olympus. This installation certainly matched the “reference to an imaginary Antiquity” that Mademoiselle Alix tried to achieve with her romantic sheath dresses, with minimal seams (one of the dresses was even completely seamless) and plunging necklines. This space showed an excessive amount of fabrics, of which not a single one shows any waste. Dresses made with up to 12 meters of fabric, so delicately draped that it would any woman to move as freely as she wanted. These outfits “inspired by an ideal Orient” were definitely empowering to the 1930s women that could afford them.

Justo al lado de la “introducción” me esperaba una colección de vestidos que formaban parte de los principios de la diseñadora, y provenían de la “Maison Alix”. Los despampanantes atuendos drapeados, estaban calzados perfectamente en maniquíes que estaban parados sobre banquetas de distintas medidas, y posaban delante de lo que parecía en Monte Olimpo. Esta instalación definitivamente hacía juego con la “referencia a un mundo antiguo imaginario” que la señora Alix intento capturar con sus románticos vestidos tubo, con unas costuras mínimas (uno de los vestidos era completamente sin costuras) y escotes dramáticos. Este espacio contenía una cantidad excesiva de telas, pero sin un poco de desperdicio. Vestidos hechos con 12 metros de tela, drapeados tan delicadamente que le daba la posibilidad a las mujeres dueñas de los mismos de moverse como quisieran. Estas vestimentas inspirados por “un Oriente ideal” tenían la cualidad de darle poder a cualquier mujer de los años treinta que pudiera pagar los vestidos. 

As I walked towards the next section of day dresses, I was astonished to find out that Madame Grés’ day outfits’ prosperity was parallel to Christian Dior’s New Look, but I’d never come across the designer before.

One of my favourite parts of the retrospective was the “Classical Antiquity revisited” in which shows the “Grés Pleat” era of the designer, which took part during the 1940s. This was a time were the perfectionist couturier re visited her artificial silk, draped dresses of the 30s, and introduced a new technique called pleating. This consisted of reducing fabrics width considerably (some of the dresses are made of up to 21 metres of fabric!), due to the fact that she deeply disliked cutting the fabric. This process made the dresses become more fluid, unique, iconic and extremely flattering to the female figure.

Mientras caminaba hacia la próxima sección, me impresioné al darme cuenta que el éxito de los vestidos de día de Madame Grès era paralelo a la época del Nuevo Look de Christian Dior, pero hasta ahora nunca había escuchado de la diseñadora.

Una de mis partes preferidas de la exposición fue el “Empoderamiento de la antigüedad clásica revisitada”, la cual mostraba la era de los “pliegues de Grès”, que surgió en los años cuarenta.  Esta fue una época en la que esta modista perfeccionista revisitó sus diseños hechos de seda artificial de los años treinta, e introdujo una nueva técnica llamada “plisado”. Esta consistía en reducir el ancho de las telas considerablemente (algunos de los vestidos están hechos con 21 metros de tela!), debido al hecho que a la modista no le gustaba cortar las telas. Este proceso hizo que los vestidos sean mas fluidos, únicos, icónicos y extremadamente favorecedores para la figura femenina. 

The exhibition not only consists of Madame Grés’ drawings and apparel, but also contains contemporary designs of current famous designers (such as Jean Paul Gaultier, Yohji Yamamoto and Haider Ackermann), who, although they show strong brand identity with each of their designs, they also reveal a strong evidence of a substantial influence coming from Germaine Krebs’ dresses.

La exhibición no solo consiste en los dibujos de Madame Grès y su ropa, pero también contiene diseños de modistas contemporáneos y famosos (como Jean Paul Gaultier, Yohji Yamamoto y Haider Ackermann), quien, por mas de que muestran una fuerte identidad de la marca en cada uno de sus atuendos, indudablemente fueron fuertemente influidos por los vestidos de Germaine Krebs. 

As I approached the end of the exhibition, I noted the change in fabrics and styles the designer experimented with, and couldn’t help but realize how minimalist and plain her style had become towards the end of her career.

Al ir yéndome acercando al final de la exhibición, noté el cambio en el estilo y los materiales utilizados por la diseñadora, y no pude evitar darme cuenta lo minimalista y simple que se tornó su trabajo mas al final de su carrera.

I personally preferred her earlier stages, however, I must recognize that this woman who died at the age of 94 and dedicated her life to sculpting and designing the most beautiful, feminine and flattering, yet delicate and simple dresses never failed the industry or her loyal customers.

After leaving the exhibition I came to the conclusion, that for Madame Grés “less was more”, and her designs are a perfect example to show that time, effort and dedication always pay off.  

Personalmente, preferí sus primeras épocas, aunque tengo que admitir que esta mujer que murió a los 94 años y dedico su vida a esculpir y diseñar los mas hermosos, femeninos y favorecedores, pero delicados y simple vestidos, nunca le falló a la industria o a sus fieles clientes.  

Después de salir de la exhibición llegué a la conclusión, de que para Madame Grès “menos era más”, y que sus diseños son un ejemplo perfecto para demostrar que tiempo, esfuerzo y dedicación siempre traen sus recompensas. 

CF